Entrevista: Artista Jane Lee
A artista de Singapura Jane Lee é conhecida por seu trabalho inovador em pinturas. Ela inverte continuamente o meio tradicional, explorando novas possibilidades de apresentar pinturas como obras de arte irrestritas pelos limites da tela.
Para sua residência recentemente concluída no Singapore Tyler Print Institute (STPI), Jane fez uma pausa na pintura em favor de experimentar outras mídias e criou um novo corpo de trabalho que surpreenderá e encantará o público familiarizado com seus trabalhos anteriores.
Art Republik senta-se com Jane para descobrir mais sobre seu amor pela pintura, a evolução de seu trabalho ao longo dos anos e seu programa 'Freely Freely' na STPI, que ocorrerá durante a Singapore Art Week no início deste ano.
Status, 2009
Como o seu trabalho evoluiu ao longo dos anos? O que muda seu trabalho de peça para peça?
Eu não tinha ideia de que me tornaria um artista em tempo integral; Eu queria ser designer de moda. Enfim, comecei com a pintura. A idéia da pintura é que seja um objeto bidimensional na parede, mas aos poucos vi minha pintura como instalações. Para mim, a parede na qual a pintura está montada faz parte do trabalho, porque o que quer que esteja ao redor da pintura interage com ela.
O que torna a pintura um meio tão atraente de se trabalhar?
Gosto de cores e gosto de brincar com tinta. Até o cheiro de tinta me atrai. Cerca de dez anos atrás, quando eu levei a sério a pintura, comecei a questionar qual era a essência da pintura. Perguntei-me se havia outras maneiras de fazer pinturas, e olhei para o processo e as técnicas tradicionais que entraram na criação de uma pintura. Foi assim que comecei a brincar com o meio.
Pássaros enjaulados, 2015
Você poderia nos orientar no processo de criação de uma obra de arte, desde o conceito até a execução?
Eu sou muito uma pessoa prática. Quando comecei a pintar da maneira tradicional, planejei muito e me sentava e criava composições para meus trabalhos. Tudo mudou em 1999, quando fui a Londres para descobrir mais sobre arte contemporânea. Participei de uma oficina em que o professor jogou tinta no papel no chão e instruiu a turma a tocar. Isso me abriu os olhos. E isso se tornou o que eu queria fazer. Eu tinha percebido que quando planejei tudo, realmente não haveria vida no trabalho. Comecei a ir mais com meus instintos e a brincar.
Como você sabe quando uma obra de arte é concluída?
Suponho que uma obra de arte nunca possa realmente ser finalizada. Se um trabalho fala comigo, está feito. É mais emocional do que intelectual. Eu falo muito com a minha pintura. É um processo interativo. As pinturas estão de certa forma vivas, mesmo que não falem. Eles têm certas tendências. Há algum tipo de negociação em andamento entre o artista e a obra no processo de fazer arte.
Liberte-me VI, 2015
Como você escolhe as ferramentas usadas para criar suas obras de arte?
Tradicionalmente, as pinturas são feitas com pincéis e costumavam contar uma história. Encontro ferramentas do meu dia a dia, como utensílios de cozinha, para fazer minha arte.
Você poderia nos orientar no processo de criação de uma obra de arte?
Bem, de manhã, quando chego ao meu estúdio, posso estar me sentindo muito feliz e querer usar um vermelho brilhante, mas à medida que o dia avança, e talvez eu esteja ouvindo músicas, meu humor pode mudar e minha pintura pode ficar um pouco escuro. Não gosto de forçar nada a acontecer. De certa forma, o desenvolvimento de um trabalho depende de como me sinto em um determinado dia.
Quanto tempo você leva para concluir uma obra de arte?
Para grandes obras, pode levar de seis meses a um ano. Às vezes, eu trabalho em uma peça e depois no meio, não há fluxo de energia, então eu a deixava de lado por um momento e voltava a ela mais tarde.
Enrolamento VI, 2015
Você descarta algum trabalho?
Muitos.
Como você decide o que manter?
Você apenas sabe.
O processo de tornar sua obra de arte mais importante do que a aparência do produto final?
Eu diria que se estiver fora de 100%, o processo conta com 80% e o produto final conta com 20%.
Deseja que as pessoas tenham curiosidade sobre o processo?
Claro. Seria ótimo olhar além da superfície e das cores. Quero fazê-los fazer mais perguntas sobre a pintura como um meio e sobre o processo de fazer uma pintura.
100 Faces, 2014
Você poderia falar sobre sua rotina diária como artista?
Começo meu dia com yoga e meditação. Isso é importante para me manter mais afinado comigo mesmo. Então eu vou para o meu estúdio e começo a trabalhar. Como trabalho depende dos prazos que tenho. Se eu estiver com pressa e tiver que trabalhar muito intensamente, digamos em um show solo, eu me recusaria a voltar ao estúdio depois por um longo tempo. Dito isto, minha mente está sempre pensando, olhando em volta, procurando inspiração em minha vida cotidiana, seja de uma caminhada matinal ou em uma conversa com alguém.
Você procura inspiração para ir ao museu ou assistir a exposições de outros artistas?
Na verdade, evito ver muitas obras de outros artistas. Se você vê demais, às vezes certas coisas de que gosto se infiltram subconscientemente no meu trabalho. A vida cotidiana é minha fonte de inspiração, seja de uma caminhada matinal ou em uma conversa com alguém. Coisas que vejo ao meu redor, o que as pessoas dizem - essas são as pequenas coisas que são minhas fontes de inspiração.
Você tinha algum artista que admirava quando começou?
Isso seria Robert Ryman. O que é fascinante sobre ele é que ele não é um pintor treinando. Penso que, porque ele não tem o ônus de saber o que um pintor deve fazer, ele é capaz de criar suas refrescantes obras de arte.
Despertar, 2015
Mas você acha que é importante primeiro aprender o básico?
Penso que o conhecimento fundamental pode servir bem ao pintor ao fornecer conhecimento técnico, como na mistura de cores. No entanto, uma vez que essas habilidades são aprendidas, provavelmente somente quando elas são descartadas é que algo novo pode ser criado.
O que vem primeiro: os títulos de suas pinturas ou as próprias pinturas? Como os títulos, como 'Status' (2009), que está na coleção permanente do Museu de Arte de Cingapura ou '100 Faces' (2014), mostrados em sua exposição individual na Sundaram Tagore Gallery, Singapura, trabalham em conjunto com suas pinturas para comunicar com o público?
Com "Status", eu estava questionando o status da pintura. Foi-me dito por um dos curadores da Bienal de Cingapura 2008 que eu seria o único pintor a expor. Essa conversa ficou comigo. Achei surpreendente que houvesse tão poucos pintores na cena artística quando a maioria dos artistas provavelmente começou a ser treinada como pintora. Pensei então que talvez a pintura como um meio estivesse morta e não havia mais espaço para brincar. A obra de arte é uma exploração do estado da pintura na cena regional da arte contemporânea.
Com '100 Faces', lembro-me de pensar que as pessoas queriam mostrar grandes pinturas muito pesadas. Decidi dividir meu trabalho em 100 peças menores e menos pesadas que poderiam ser reunidas em uma grande pintura. Além disso, também foi um comentário sobre como uma pintura poderia ter muitos rostos, ou que poderia haver muitas maneiras de criar uma pintura, além de que as pessoas têm diferentes personagens que emergem na companhia de diferentes pessoas.
Você compartilha essas histórias sobre a criação dessas obras de arte com o público em geral?
Normalmente, eu não compartilhava, embora, se as pessoas perguntassem, eu ficaria feliz em. Não quero impor muito ao espectador e ditar o que eles veem nas obras de arte.
Apenas um momento, 2015
Vamos falar sobre seus novos trabalhos na STPI, que não são focados em pinturas. É uma nova direção para você. Esta é uma decisão consciente?
Eu queria deixar de pintar por um tempo, mas não encontrei desculpa para fazê-lo. Achei que seria uma boa chance de explorar tudo, menos a pintura, e fazer bom uso das instalações da STPI. Foi um bom momento para ser convidado neste momento.
Por que o título 'Livremente, livremente'?
Eu queria um título positivo para o show. Minha abordagem para fazer minha arte é feliz. Ser preso e ser livre são dois temas da exposição. Com a série "Enrolamento", por exemplo, o processo de enrolar o papel pode dar a sensação de estar preso. Os pinos nas bobinas dão uma expressão visual mais forte de estar preso. Em algumas obras, existem pássaros sentados nos alfinetes, que podem ser vistos como símbolos da liberdade.
Além dos trabalhos em papel, você também trabalhou com acrílico no show. Como isso aconteceu?
A equipe do STPI é muito aberta a idéias. Decidi experimentar livremente e incluí vídeo e animação, além de combinar papel com outras mídias, como papel com som e papel com acrílico.
Como a equipe da STPI impulsionou sua prática artística?
Durante a maior parte da minha carreira, trabalhei sozinho no meu estúdio. Freqüentemente, quando tenho essas pequenas idéias malucas, se sou eu sozinha, seria difícil e pode levar mais tempo e não consigo trabalhar nelas. Trabalhar aqui na STPI me tirou da minha zona de conforto. A equipe capaz de pessoas aqui me ajudou a refletir e ver possibilidades, e minhas idéias poderiam ser realizadas em um tempo muito curto.
Você acha que após esse show, você abordará sua prática de maneira diferente?
Sou um pintor de coração e ainda há espaço para brincar com tinta. Quanto ao tipo de pintura e se será semelhante ao que tenho feito, não tenho certeza. O que eu descobri aqui no STPI certamente teria algum impacto, mas realmente não posso responder neste momento o que faria. Eu gosto da ideia de não saber. Se eu já sei, não faria isso. Quero excitar e encantar o espectador, mas para fazer isso, tenho que fazer isso primeiro.
Créditos da história
Texto de Nadya Wang
Este artigo foi publicado originalmente na Art Republik.
Imagens cortesia de STPI
