STPI leva Do Ho Suh e Aquilizans para a Art Basel Hong Kong

Alfredo & Isabel Aquilizan, 'Embarcação após travessias: projeto outro país I, 2017', pasta de papelão com serigrafia em papel de linho, 144 x 349 cm. Imagem cedida STPI - Creative Workshop & Gallery

A negociação da identidade e o sentimento de pertencimento no mundo são, sob muitos aspectos, a condição perene do homem. Nós olhamos para dentro em busca de uma propriedade única de si e dos relacionamentos e ambientes incidentais nos quais a identidade de pessoa está implicada. Essa propriedade é freqüentemente incorporada no conceito de lar. É um lugar físico-psicológico que só pode existir totalmente entre os dois planos; para emprestar livremente o termo do geógrafo J. Nicholas Entrikin, lar é a "intermediação do espaço" ou o ponto de encontro de dois espaços que não podem ser separados.

O lugar, e o direito a ele, tornou-se uma das maiores falhas da política internacional, com o surgimento de debates sobre imigração, status de refugiado e identidades marginais no ano passado. Numa época em que o conceito de lar - ter um lugar seguro ao qual pertencemos - aparentemente nunca foi mais contestado ou cobiçado, deu um significado renovado ao trabalho do artista coreano Do Ho Suh.

Do Ho Suh, 'Blue Print (Multi Color)', 2013, desenho de linha incorporado em papel artesanal de algodão STPI, 131,5 x 168 cm. Imagem cedida por Do Ho Suh e STPI - Creative Workshop & Gallery

Do nasceu em 1962 na Coréia do Sul e cresceu em meio a sua expansão econômica sob a liderança autoritária de Park Chung Hee. Movendo-se para os EUA aos 29 anos para estudar arte na Rhode Island School of Design, o agudo senso de deslocamento catalisou um questionamento de sua identidade e onde estavam suas raízes. É uma linha de investigação decidida que levou a obras que são poderosas articulações de lugar, deslocamento, memória e pertença.

As esculturas de tecido de suas casas e espaços de trabalho passados ​​e presentes, das quais ele é mais conhecido, são impressionantemente bonitas. No entanto, embora sejam modelos em escala individual, são réplicas menos habitáveis ​​do que vestígios transcendentais de tempo e lugar. O uso de tecido translúcido colorido para as estruturas lhes confere uma estranha tensão. Oscilam entre melancólico e sanguíneo, monumentalidade e fragilidade.

No sentido de que são esculturas que obrigam alguém a entrar, ou evocam uma entrada e ocupação psicológica, essas esculturas podem ser descritas com mais precisão como limites. "Estou interessado em espaço portátil, quero levar essa coisa comigo", disse Do sobre sua motivação. Suas obras não incorporam apenas a movimentação entre lugares que marcam a passagem da vida; são lembranças de nossa capacidade de perceber os lugares em que entramos apenas em relação aos lugares por onde entramos.

Do Ho Suh, 'Myself', 2014, desenho de linha incorporado em papel artesanal de algodão STPI, 168 x 132,5 cm. Imagem cedida por Do Ho Suh e STPI - Creative Workshop & Gallery

Nos últimos anos, Do acolheu médiuns bidimensionais em sua prática, criando desenhos de linhas, fricções, litografias e cianotipos. Esses trabalhos foram desenvolvidos em duas residências artísticas com o Singapore Tyler Print Institute (STPI), em 2010 e 2015. Especialistas em impressão e fabricação de papel, a STPI é conhecida por sua estreita relação de colaboração com artistas. As residências de artistas 'frequentemente germinaram técnicas experimentais inesperadas e obras de arte que introduziram novas maneiras de visualizar a prática de um artista, e o caso de Do não é exceção.

Para Do, a mudança para o papel e a gravura da escultura é uma espécie de tradução reversa. Na verdade, seus desenhos de linhas começam a vida como modelos tridimensionais: pedaços de papel de gelatina são costurados antes de serem dissolvidos em papel úmido e acabado de fazer, deixando para trás os traços de linha. Ao contrário da precisão e dos detalhes escrupulosos de suas esculturas, esses desenhos de linhas são, em comparação, irrestritos e exuberantes. O emaranhado quase maníaco e a repetição de formas de fios sugerem um abraço da imaginação infantil e livre. A descoberta dessa liberdade recém-descoberta, que surgiu em sua residência em 2010, foi tão profunda para Do que ele retornou à STPI em 2015 para continuar desenvolvendo o meio.

A segunda residência viu Do explorar outra tradução de suas obras tridimensionais para a bidimensional. Trabalhando com suas esculturas menores dos itens do cotidiano que encontrou, como lâmpadas, um extintor de incêndio e um alarme, ele os expôs diretamente em papel fotossensível. Os cianotipos resultantes são ainda mais impressionantes do que suas esculturas; sem a cor, tornam-se traços fantasma de um traço, uma imagem semelhante a um raio-X, onde a matéria é anulada e o espaço entra em colapso. "Acho que, em última análise, estou buscando algo intangível", diz Do, "para ver algo que não consigo ver ... um tipo de resíduo".

Outro corpo de trabalho que Do desenvolveu é uma série de fricções tridimensionais de itens domésticos comuns, como maçanetas e interruptores. Feitos em papel e pastel, os resíduos são montados na parede à maneira de pinturas.Eles trazem suas explorações artísticas em um círculo completo como uma forma intuitiva de desenho do espaço, que Do expandiu para gravar seu apartamento inteiro em Nova York em 'Rubbing / Loving' (2016). Enquanto suas esculturas de tecido anteriores evocavam a idéia de lar como um espaço psicológico suspenso entre o material e o imaterial, os resíduos são uma relíquia física direta do lar, com toda sua sujeira e poeira capturadas no local.

Do Ho Suh, 'Toilet Bowl-04', Apartamento A, 348 West 22nd Street, Nova York, NY 10011, EUA, 2016, cianótipo em papel Saunders 638g, 139 x 106cm. Imagem cedida por Do Ho Suh e STPI - Creative Workshop & Gallery

Como trabalhos bidimensionais, os desenhos de linhas e os cianotipos podem ser vistos como a realização final do desejo de Do por espaços portáteis. Eles são certamente muito mais fáceis de transportar e mais íntimos em sua imperfeição. Visto ao lado de suas peças esculturais em tecido e papel, no entanto, o corpo de trabalho de Do é um lembrete de que talvez "casa" nunca possa ser capturado por inteiro. Sua beleza está no movimento intermediário, atravessando o espaço físico e a habitação psicológica.

Faça Ho Suh no estúdio. Imagem cedida STPI - Creative Workshop & Gallery

Vários desenhos de linhas de Do serão exibidos no estande da STPI na Art Basel Hong Kong, de 29 a 31 de março, e os trabalhos de Do complementares são uma seleção de obras da dupla de artistas de instalação de Brisbane e Manila Alfredo e Isabel Aquilizan. Semelhante ao Do, os aquilizanos exploraram consistentemente a idéia de lar, identidade e memória coletiva em relação ao deslocamento cultural (especificamente também, sua própria migração auto-imposta à Austrália em 2006) e agitação social. Muitos de seus trabalhos são silenciosamente provocativos e pungentes exames do impacto do movimento forçado ou desapropriação em comunidades carentes. Os trabalhos seminais incluem 'Asas' (2009), esculturas de asas de anjo feitas com os chinelos dos internos de uma instituição correcional de Cingapura e 'In-Habit: Project Another Country' (2012), uma instalação em larga escala inspirada nas habitações frágeis e na existência itinerante do povo marginalizado de Badjao, no sudoeste das Filipinas.

Alfredo & Isabel Aquilizan, 'Habitações após Habitat: Projeto Outro País IV, 2017', parágrafo, impresso a partir de papelão comprimido em papel 638g Saunders, 141 x 133,5 x 2,5cm. Imagem cedida STPI - Creative Workshop & Gallery

O que será mostrado na Art Basel Hong Kong é de fato uma reinterpretação de "In Habit". Originalmente um trabalho colaborativo que percorreu a Austrália e o Japão e convidou os visitantes a aderir à instalação construindo pequenas habitações de papelão, os aquilizanos reutilizaram o papelão para criar colografias evocativas e serigrafias meticulosamente delineadas à mão com polpa de papelão. Mostrados pela primeira vez em sua inovadora exposição de 2017, realizada pela STPI intitulada 'Of Fragments and Impressions', eles serão apresentados na seção especial com curadoria de Kabinett da feira. O trabalho transformado é uma expressão ainda mais sombria de deslocamento e fragmentação da comunidade do que o original. Literalmente esmagados e achatados, eles ecoam locais bombardeados e traços de terra que lembram a fragilidade do lar e sua vulnerabilidade.

Este artigo foi escrito por Rachel Ng para Art Republik 18.

Mais informações em stpi.com.sg.